miércoles, 24 de abril de 2013
miércoles, 17 de abril de 2013
ARTHUR MILLER
(Nueva York, 1915 - Roxbury, Connecticut, 2005) Dramaturgo estadounidense. Autor de obras emblemáticas como La muerte de un viajante y Las brujas de Salem, y ganador en dos ocasiones del premio Pulitzer, Arthur Miller está considerado como uno de los mejores dramaturgos del siglo XX. Escritor comprometido, Miller supo trasladar a los escenarios el conflicto del ser humano y el espíritu crítico, arremetió contra el masificador antihumanismo estadounidense, se acercó al marxismo, para después criticarlo, se opuso activamente a la “caza de brujas” del senador McCarthy y denunció la intervención estadounidense en Corea y Vietnam. Su nombre fue sinónimo de audacia y de ruptura, tanto temática como estructural.
Arthur Asher Miller nació en Nueva York el 17 de octubre de 1915, tercer hijo de un matrimonio de emigrantes austríacos formado por Isidore Miller (un fabricante de abrigos judío que se arruinó durante la Gran Depresión) y Augusta Bernett. Se graduó en la Abraham Lincoln High School y para pagarse los estudios de periodismo, que cursó en la Universidad de Michigan, trabajó en una radio local, en un almacén y como editor de noche en el Michigan Daily.
Poco antes de obtener la licenciatura, escribió Todavía crece la hierba (1938), una comedia que le valdría los primeros reconocimientos. Tras finalizar sus estudios, regresó a Nueva York y se inició en la escritura de seriales radiofónicos.
La década de 1940 supuso un período de cambios para Miller. Por un lado, en 1940 contrajo matrimonio con su novia de la universidad, Mary Grace Slattery, con la que tuvo un hijo, Robert, y una hija, Jane, y por otro se consolidó como escritor. Después de debutar en Broadway con El hombre que tuvo toda la suerte del mundo, una comedia de escaso éxito comercial, pero que le proporcionó el Theatre Guild Award en 1944, curiosamente fue una novela, Focus(1945), un alegato contra el antisemitismo, la que le reportó su primer éxito.
Influido por Ibsen, Miller mostró su preocupación por la sociedad que le rodeaba y su problemática enTodos eran mis hijos (1947), donde abordó la actividad de los que se aprovechan de la guerra. La obra obtuvo el premio de la Crítica de Nueva York en 1948, inscribió al autor dentro del realismo norteamericano de su tiempo y supuso su espaldarazo definitivo.
En estos sus primeros títulos se entrevé ya lo que sería el elemento fundamental de toda su obra: la crítica acerba a todos aquellos valores de carácter conservador que comenzaban a asentarse en la sociedad de Estados Unidos. Dos años después llegaría su mayor triunfo con una denuncia del carácter ilusorio del sueño americano: La muerte de un viajante (1949), obra por la que obtuvo el Pulitzer de Teatro y, de nuevo, el premio de la Crítica de Nueva York, y que a menudo se cita entre las mejores del teatro contemporáneo. Ese mismo año, el montaje teatral, dirigido por Elia Kazan, obtuvo seis premios Tony. La obra se representó ininterrumpidamente desde el 10 de febrero de 1949 hasta el 18 de noviembre de 1950, y posteriormente se estrenó en salas de todo el mundo. En 1985 fue llevada al cine por Volker Schlöndorff, con un memorable Dustin Hoffman en el papel protagonista.
Arthur Asher Miller nació en Nueva York el 17 de octubre de 1915, tercer hijo de un matrimonio de emigrantes austríacos formado por Isidore Miller (un fabricante de abrigos judío que se arruinó durante la Gran Depresión) y Augusta Bernett. Se graduó en la Abraham Lincoln High School y para pagarse los estudios de periodismo, que cursó en la Universidad de Michigan, trabajó en una radio local, en un almacén y como editor de noche en el Michigan Daily.
Poco antes de obtener la licenciatura, escribió Todavía crece la hierba (1938), una comedia que le valdría los primeros reconocimientos. Tras finalizar sus estudios, regresó a Nueva York y se inició en la escritura de seriales radiofónicos.
La década de 1940 supuso un período de cambios para Miller. Por un lado, en 1940 contrajo matrimonio con su novia de la universidad, Mary Grace Slattery, con la que tuvo un hijo, Robert, y una hija, Jane, y por otro se consolidó como escritor. Después de debutar en Broadway con El hombre que tuvo toda la suerte del mundo, una comedia de escaso éxito comercial, pero que le proporcionó el Theatre Guild Award en 1944, curiosamente fue una novela, Focus(1945), un alegato contra el antisemitismo, la que le reportó su primer éxito.
Influido por Ibsen, Miller mostró su preocupación por la sociedad que le rodeaba y su problemática enTodos eran mis hijos (1947), donde abordó la actividad de los que se aprovechan de la guerra. La obra obtuvo el premio de la Crítica de Nueva York en 1948, inscribió al autor dentro del realismo norteamericano de su tiempo y supuso su espaldarazo definitivo.
En estos sus primeros títulos se entrevé ya lo que sería el elemento fundamental de toda su obra: la crítica acerba a todos aquellos valores de carácter conservador que comenzaban a asentarse en la sociedad de Estados Unidos. Dos años después llegaría su mayor triunfo con una denuncia del carácter ilusorio del sueño americano: La muerte de un viajante (1949), obra por la que obtuvo el Pulitzer de Teatro y, de nuevo, el premio de la Crítica de Nueva York, y que a menudo se cita entre las mejores del teatro contemporáneo. Ese mismo año, el montaje teatral, dirigido por Elia Kazan, obtuvo seis premios Tony. La obra se representó ininterrumpidamente desde el 10 de febrero de 1949 hasta el 18 de noviembre de 1950, y posteriormente se estrenó en salas de todo el mundo. En 1985 fue llevada al cine por Volker Schlöndorff, con un memorable Dustin Hoffman en el papel protagonista.
Arthur Miller sufrió en sus propias carnes la “caza de brujas” del senador McCarthy. Su obra Las brujas de Salem (1953), un alegato contra la intolerancia y el puritanismo ambientado en 1692, era en realidad una denuncia contra las investigaciones que desde 1946 llevaba a cabo el denominado Comité de Actividades Antiamericanas. El comité, dirigido por Joseph McCarthy, había sido investido con la facultad de averiguar la filiación política de los ciudadanos, al objeto de depurar el país de “antiamericanos” y comunistas. Actores, directores, guionistas y escritores fueron multados o enviados a prisión. En 1956 Miller compareció ante el comité, que lo condenó por desacato al no querer delatar a los miembros de un círculo literario sospechosos de actividades procomunistas. Miller apeló la sentencia y finalmente fue absuelto.
Las brujas de Salem se representó por vez primera en Broadway en 1953 y obtuvo un gran éxito. En esta ocasión el encargado del montaje no fue Elia Kazan, quien en un episodio oscuro de su vida había delatado a varios camaradas ante el comité (Miller no le habló durante años), sino el legendario Jed Harris. La obra fue llevada al cine en 1996. Protagonizada por Daniel Day-Lewis (esposo de Rebecca Miller) y con guión adaptado por el propio Miller; en español se hizo una versión de la obra que se tituló El crisol.
La vida de Arthur Miller cambió radicalmente cuando, tras divorciarse de Mary, el 29 de junio de 1956 contrajo matrimonio con la mítica actriz Marilyn Monroe. La boda coincidió con el estreno de Panorama desde el puente (1955), pieza en la que el autor reproducía el tema de la llegada de inmigrantes a Estados Unidos, y por la que obtendría el segundo Pulitzer.
La popularidad del intelectual que había sabido ganarse el corazón de la mujer más adorada del siglo XX creció entonces vertiginosamente. El matrimonio hizo correr ríos de tinta durante los casi cinco años que duró. Habitual del papel couché y del glamour de Hollywood, la pareja no fue feliz y finalmente las infidelidades de la actriz (que tuvo un romance con Yves Montand), sus problemas con el alcohol y las tensiones durante el rodaje de Vidas rebeldes (1961), película de John Huston con guión del dramaturgo y protagonizada por Marilyn, acabaron con el matrimonio, que finalmente se divorció en enero de 1961. En esos años Miller se mantuvo alejado de los escenarios y no volvió a estrenar hasta 1964.
Arthur Miller volvió a los escenarios en 1964 con Después de la caída, un texto autobiográfico durísimo en el que narraba su relación con Marilyn. Otras obras destacadas posteriores, que sin embargo ya no le reportaron tanta popularidad, fueron Incidente en Vichy (1964), El precio (1968), quizá su último éxito popular, En Rusia (1969), La creación del mundo(1972), En el paraíso (1974), La colcha de Marta(1977), El arzobispo (1977), El viajante en Beijing(1984), El descenso del monte Morgan (1991) yCristales rotos (1994).
martes, 16 de abril de 2013
BERTOLD BRECHT
Nació el el 10 de febrero de 1898 en Augsburgo (Baviera) en el seno de una próspera familia. Su padre era propietario de una fábrica de papel. Crece en su pueblo natal y desde la adolescencia revela su vocación de escritor.Se inscribe a la Escuela de Medicina en la universidad de Ludwig-Maximiliam de Munich. A la vez asiste a seminarios de teatro con Artur Kutscher. Cursó estudios en las universidades de Munich y Berlín.
Desde los 15 años inicia una relación sentimental con Paula Banholzer. En 1919 nace su primer hijo, Frank, y el autor participa con guiones en el cabaret político Karl Valentin de Baal.
En el año 1924, aparece como autor teatral en el Berlín Deutsches Theater, bajo la dirección de Max Reinhardt. En sus primeras obras se puede observar la influencia del expresionismo. En 1928, escribió un drama musical, La ópera de los dos centavos, con el compositor alemán Kurt Weill. Se estrenó en Berlín en 1928. En 1924 conoció a Elisabeth Hauptmann, una escritora y traductora un año mayor que él, y se hicieron casi de inmediato amantes y colaboradores literarios. En ese mismo año, comenzó a estudiar el marxismo, y, desde 1928 hasta la llegada de Hitler al poder, escribió y estrenó varios dramas didácticos musicales.La ópera Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny (1927-1929), de nuevo con música de Weill, era una crítica al capitalismo. Durante este periodo dirigió a los actores y comenzó a desarrollar el teatro épico. Se decantó por una forma narrativa libre en la que aparecían mecanismos de distanciamiento tales como los apartes y las máscaras para evitar que el espectador se identificara con los personajes de la escena. Esta característica aparece en La toma de medidas, La excepción y la regla, El que dice sí y el que dice no...
Su oposición al gobierno de Hitler, le obligó a exiliarse a Alemania en 1933, viviendo primero en Escandinavia y estableciéndose finalmente en California en 1941. En estos años escribió algunas de sus mejores obras, como La vida de Galileo Galilei (1938-1939), Madre Coraje y sus hijos (1941), que consolidaron su reputación como importante dramaturgo, y El círculo de tiza caucasiano (1944-1945).
En 1948 regresó a Alemania, se estableció en Berlín Este, donde fundó su propia compañía teatral, el Berliner Ensemble. Escribió también varias colecciones de poemas.
Bertolt Brecht falleció el 14 de agosto de 1956 en Berlín de un ataque cardiaco.
OBRAS TEATRALES:
-Baal, 1918.
-El casamiento de los pequeños burgueses, 1919.
-El exorcismo, 1919.
-El mendigo o el perro muerto, 1919.
-Lux in tenebris, 1949.
-La pesca milagrosa, 1919.
-Tambores en la noche, 1919-1922.
-En la maleza,1921.
-Vida de Eduardo II de Inglaterra, 1923.
-Hombre es hombre, 1924.
-Santa Juana de los mataderos, 1929.
-La madre, 1930.
-Las cabezas redondas y las cabezas puntiagudas, 1932.
-Los fusiles de la señora Carrar, 1937.
-Temor y miseria del Tercer Reich, 1935.
-Galileo Galilei, 1938.
-¿Cuánto cuesta el hierro?, 1929.
-El juicio de Lúculo, 1939.
-Madre Coraje y sus hijos, 1939.
-Dansen, 1939.
-El buen hombre de Sezuan, 1938.
-Púntila y su servidor Matti, 1940.
-El ascenso evitable del Arturo Ui, 1941.
-Los rostros de Simone Machard, 1941.
-Schweyk en la segunda guerra mundial, 1941.
-El círculo de tiza caucasiano, 1944.
-Los días de la comuna, 1948.
-Turandot o el congreso de los lavadores de blanquería, 1930.
MÚSICA:
-La ópera de los 3 centavos, 1928.
-Apogeo y caída de la ciudad de mahagonny, 1928.
-Happy end, 1929.
-Los siete pecados capitales de los pequeños burgueses, 1933.
-La condena de Lúculo, 1951.
-Señor Púntila y su servidor Matti, 1951.
-Apogeo y caída de la ciudad de mahagonny, 1928.
-Happy end, 1929.
-Los siete pecados capitales de los pequeños burgueses, 1933.
-La condena de Lúculo, 1951.
-Señor Púntila y su servidor Matti, 1951.
PIEZAS DIDÁCTICAS:
-El vuelo oceánico, 1929.
-La pieza didáctica del entendimiento de Baden, 1929.
-El que dice sí y el que dice no, 1929.
-La excepción y la regla, 1929.
-La medida diligencial, 1929.
-Los Horacios y los Curiacios, 1934.
-Cuatro epitafios, 1933.
-El manual internacional de la guerra, 1939.
-El miserere alemán, 1944.
-La educación del almorejo, 1949.
-La crónica de Herrnburg, 1951.
-La pieza didáctica del entendimiento de Baden, 1929.
-El que dice sí y el que dice no, 1929.
-La excepción y la regla, 1929.
-La medida diligencial, 1929.
-Los Horacios y los Curiacios, 1934.
-Cuatro epitafios, 1933.
-El manual internacional de la guerra, 1939.
-El miserere alemán, 1944.
-La educación del almorejo, 1949.
-La crónica de Herrnburg, 1951.
Andrea Camba Mirás
ELS COMEDIANTS
Els Comediants. Compañía de teatro originaria de Cataluña (España). Nace el 19 de noviembre de 1971 en el entorno de la escuela de teatro independiente de Barcelona. Desde el principio apostaron por el estilo de teatro vanguardista que se hacía en el extranjero, basado en experiencias creativas colectivas sin texto ni directores, frente al teatro clásico que se hacía en España. La interdisciplinaridad es una de sus características: más allá de una compañía de teatro, son una "compañía de espectáculo" en la que mezclan el teatro con el circo, la música, el audiovisual, diseño, etc. Por ello, se definen a sí mismos como "un colectivo formado por actores, músicos y artistas de todo tipo dedicado por completo al mundo de la creación".
Son actualmente una de las compañías más prestigiosas del mundo en cuanto a la espectacularidad de sus montajes. Sus espectáculos, concebidos en la cúpula geodésica de La Vinya, masía situada en Canet de Mar (cerca de Barcelona), han sido llevados a los cinco continentes, desde Buenos Aires a Tokio, pasando por Nueva York, Madrid o París, y actuando tanto en grandes ciudades como en pequeños pueblos.
Els Comediants son una compañía coral, con multitud de actores. En los últimos 30 años han concebido una gran variedad de espectáculos, tanto de inspiración propia como por encargo. A menudo han solapado la representación de diferentes montajes, teniendo más de uno en cartel en diferentes momentos.
De entre todas sus obras, las más representadas han sido "El sol d'Orient" (546 actuaciones), "Catacroc" (325), "Ceremonia inaugural y pasacalles” (223), "Anthología" (218) y "Sol, solet" (205).
Todos los montajes de Els Comediants se caracterizan por su gran espíritu festivo, la multitud de actores, la interrelación con el público. Todas sus creaciones tienen un gran significado inspirado en mitos, símbolos, rituales y ceremonias que celebran el paso cíclico de los humanos en la Tierra.
Els Comediants han tenido la responsabilidad de realizar espectáculos para los más prestigiosos eventos: desde la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, a la Exposición Universal de Sevilla 1992, la Expo de Lisboa'98, la Expo de Hanover'00, o el Fòrum de Barcelona'2004.
El montaje que concibió para la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona, en 1992, causó un gran impacto por su espectacularidad y originalidad, y creó una nueva tendencia imitada, desde entonces, en la mayoría de ceremonias de grandes eventos.
SUS ESPECTÁCULOS SON: · NON PLUS PLIS. 1 de junio de 1972-16 de noviembre de 1974. Número de representaciones: 63
· CATACROC. 18 de octubre de 1973-3 de octubre de 1978. Número de representaciones: 325
· TALLER. 11 de junio de 1976-10 de diciembre de 1977. Número de representaciones: 21
· PLOU I FA SOL. 21 de junio de 1976-29 de enero de 1977. Número de representaciones: 56
· CEREMONIA INAUGURAL Y PASACALLES. 11 de junio de 1975-28 de enero de 1984. Número de representaciones: 223· SARAO DE GALA. 10 de julio de 1976-14 de junio de 1984. Número de representaciones: 174
· SOL, SOLET. 4 de noviembre de 1978-29 de octubre de 1982. Número de representaciones: 205
· DIMONIS. 1 de marzo de 1981. Más de 200 representaciones hasta la fecha (2005).
· ALÈ. 3 de febrero de 1984-18 de agosto de 1988. Número de representaciones: 297
· LA NIT. 18 de octubre de 1987-17 de junio de 1991. Número de representaciones: 345
· NIT DE NITS. 30 de junio de 1989-22 de julio de 1989. Número de representaciones: 10
· MEDITERRÀNIA. 10 de octubre de 1991-15 de octubre de 1994. Número de representaciones: 216· LA MAGIA DEL TIEMPO. 20 de abril de 1992-12 de octubre de 1992. Número de representaciones: 176
· MARE NOSTRUM. 30 de mayo de 1992-2 de junio de 1998. Número de representaciones: 8
· VIAJE POR EL MEDITERRÁNEO. 15 de marzo de 1993-13 de mayo de 1994. Número de representaciones: 148
· VIAJE POR EL HUMOR Y LOS CINCO SENTIDOS. 15 de noviembre de 1994-10 de marzo de 1995. Número de representaciones: 48
· LLIBRE DE LES BÈSTIES (Libro de las Bestias). 2 de febrero de 1995- 23 de marzo de 1997. Número de representaciones: 233· ANTHOLOGÍA. 10 de noviembre de 1996. Número de representaciones hasta la fecha: 218
· T.E.M.P.U.S. 7 de noviembre de 1997. Número de representaciones hasta la fecha: 105
· O RAPAZ DE PAPEL. 17 de marzo de 1998-21 de abril de 1998. Número de representaciones: 35
· ZENIT. 27 de enero de 1999
· EL SOL D'ORIENT. 31 de marzo de 1999-30 de octubre de 1999. Número de representaciones: 546
· LA FLAUTA MÁGICA. 11 de junio de 1999-22 de junio de 1999. Número de representaciones: 10· 100 PEL 2000. 26 de septiembre de 1999-31 de diciembre de 1999. Número de representaciones: 100
· MARAVILLAS DE CERVANTES. 31 de marzo de 2000- 19 de noviembre de 2000. Número de representaciones:81 hasta la fecha· BOCATTO DI CARDINALE.
· EL PÁJARO DE MIL COLORES.
· EL GRAN SECRETO y su 'adaptación' infantil, EL PEQUEÑO SECRETO, de menor duración y con un lenguaje más comprensible, para un público familiar.
Son actualmente una de las compañías más prestigiosas del mundo en cuanto a la espectacularidad de sus montajes. Sus espectáculos, concebidos en la cúpula geodésica de La Vinya, masía situada en Canet de Mar (cerca de Barcelona), han sido llevados a los cinco continentes, desde Buenos Aires a Tokio, pasando por Nueva York, Madrid o París, y actuando tanto en grandes ciudades como en pequeños pueblos.
Els Comediants son una compañía coral, con multitud de actores. En los últimos 30 años han concebido una gran variedad de espectáculos, tanto de inspiración propia como por encargo. A menudo han solapado la representación de diferentes montajes, teniendo más de uno en cartel en diferentes momentos.
De entre todas sus obras, las más representadas han sido "El sol d'Orient" (546 actuaciones), "Catacroc" (325), "Ceremonia inaugural y pasacalles” (223), "Anthología" (218) y "Sol, solet" (205).
Todos los montajes de Els Comediants se caracterizan por su gran espíritu festivo, la multitud de actores, la interrelación con el público. Todas sus creaciones tienen un gran significado inspirado en mitos, símbolos, rituales y ceremonias que celebran el paso cíclico de los humanos en la Tierra.
Els Comediants han tenido la responsabilidad de realizar espectáculos para los más prestigiosos eventos: desde la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, a la Exposición Universal de Sevilla 1992, la Expo de Lisboa'98, la Expo de Hanover'00, o el Fòrum de Barcelona'2004.
El montaje que concibió para la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona, en 1992, causó un gran impacto por su espectacularidad y originalidad, y creó una nueva tendencia imitada, desde entonces, en la mayoría de ceremonias de grandes eventos.
El director de escena de Els Comediants es, desde sus inicios, Joan Font.
SUS ESPECTÁCULOS SON: · NON PLUS PLIS. 1 de junio de 1972-16 de noviembre de 1974. Número de representaciones: 63
· CATACROC. 18 de octubre de 1973-3 de octubre de 1978. Número de representaciones: 325
· TALLER. 11 de junio de 1976-10 de diciembre de 1977. Número de representaciones: 21
· PLOU I FA SOL. 21 de junio de 1976-29 de enero de 1977. Número de representaciones: 56
· CEREMONIA INAUGURAL Y PASACALLES. 11 de junio de 1975-28 de enero de 1984. Número de representaciones: 223· SARAO DE GALA. 10 de julio de 1976-14 de junio de 1984. Número de representaciones: 174
· SOL, SOLET. 4 de noviembre de 1978-29 de octubre de 1982. Número de representaciones: 205
· DIMONIS. 1 de marzo de 1981. Más de 200 representaciones hasta la fecha (2005).
· ALÈ. 3 de febrero de 1984-18 de agosto de 1988. Número de representaciones: 297
· LA NIT. 18 de octubre de 1987-17 de junio de 1991. Número de representaciones: 345
· NIT DE NITS. 30 de junio de 1989-22 de julio de 1989. Número de representaciones: 10
· MEDITERRÀNIA. 10 de octubre de 1991-15 de octubre de 1994. Número de representaciones: 216· LA MAGIA DEL TIEMPO. 20 de abril de 1992-12 de octubre de 1992. Número de representaciones: 176
· MARE NOSTRUM. 30 de mayo de 1992-2 de junio de 1998. Número de representaciones: 8
· VIAJE POR EL MEDITERRÁNEO. 15 de marzo de 1993-13 de mayo de 1994. Número de representaciones: 148
· VIAJE POR EL HUMOR Y LOS CINCO SENTIDOS. 15 de noviembre de 1994-10 de marzo de 1995. Número de representaciones: 48
· LLIBRE DE LES BÈSTIES (Libro de las Bestias). 2 de febrero de 1995- 23 de marzo de 1997. Número de representaciones: 233· ANTHOLOGÍA. 10 de noviembre de 1996. Número de representaciones hasta la fecha: 218
· T.E.M.P.U.S. 7 de noviembre de 1997. Número de representaciones hasta la fecha: 105
· O RAPAZ DE PAPEL. 17 de marzo de 1998-21 de abril de 1998. Número de representaciones: 35
· ZENIT. 27 de enero de 1999
· EL SOL D'ORIENT. 31 de marzo de 1999-30 de octubre de 1999. Número de representaciones: 546
· LA FLAUTA MÁGICA. 11 de junio de 1999-22 de junio de 1999. Número de representaciones: 10· 100 PEL 2000. 26 de septiembre de 1999-31 de diciembre de 1999. Número de representaciones: 100
· MARAVILLAS DE CERVANTES. 31 de marzo de 2000- 19 de noviembre de 2000. Número de representaciones:81 hasta la fecha· BOCATTO DI CARDINALE.
· EL PÁJARO DE MIL COLORES.
· EL GRAN SECRETO y su 'adaptación' infantil, EL PEQUEÑO SECRETO, de menor duración y con un lenguaje más comprensible, para un público familiar.
Andrea Camba Mirás
miércoles, 10 de abril de 2013
BERTOLD BRECHT: MADRE CORAJE Y SUS HIJOS
Es una pieza teatral fundamental en el teatro de Bertolt Brecht con música adicional de Paul Dessau para la versión berlinesa de 1949.
Habiendo huido de la Alemania nazi en 1933, Brecht escribió la obra en cinco semanas durante su exilio en la isla de Lindingo en Suecia en 1939, previo a su escape a Finlandia y Estados Unidos via Rusia. Estrenada en Zurich en 1941, Brecht la revisó, produjo y dirigió en 1949 para el Berliner Ensemble.
El personaje central está extraído de una novela picaresca de H. J. Ch. von Grimmelshausen, del siglo XVII: La pícara Coraje (Die Landstörzerin Courasche). El drama se sitúa durante la Guerra de los treinta años donde Madre Coraje es una astuta vendedora ambulante que para sobrevivir sortea hábilmente las diferencias entre católicos y protestantes siguiendo con su carromato al ejército sueco, sacando partido de la guerra y del dolor humano. Obtiene beneficios pero el precio que ha de pagar son sus tres hijos: Eilif, Schweizerkas y Catalina.
Es un profundo alegato antibélico, donde Anna Fierling ("Madre coraje") -mítica figura del costo de la guerra- termina sola en su desvencijado carromato y constituye una de las nueve piezas teatrales con las que Brecht trató de contrarrestar la ascensión del fascismo y una directa alusión a la invasión de Polonia por Hitler en 1939.
Alegoría del costo de la Segunda Guerra Mundial en Alemania, Madre Coraje canta:
"No dejaré que me hablen mal de la guerra.
Dicen que destruye a los débiles,
pero ésos revientan también en la paz.
Lo único que pasa es que la guerra alimenta mejor a sus hijos".
Maria Corral Santiveri
Habiendo huido de la Alemania nazi en 1933, Brecht escribió la obra en cinco semanas durante su exilio en la isla de Lindingo en Suecia en 1939, previo a su escape a Finlandia y Estados Unidos via Rusia. Estrenada en Zurich en 1941, Brecht la revisó, produjo y dirigió en 1949 para el Berliner Ensemble.
El personaje central está extraído de una novela picaresca de H. J. Ch. von Grimmelshausen, del siglo XVII: La pícara Coraje (Die Landstörzerin Courasche). El drama se sitúa durante la Guerra de los treinta años donde Madre Coraje es una astuta vendedora ambulante que para sobrevivir sortea hábilmente las diferencias entre católicos y protestantes siguiendo con su carromato al ejército sueco, sacando partido de la guerra y del dolor humano. Obtiene beneficios pero el precio que ha de pagar son sus tres hijos: Eilif, Schweizerkas y Catalina.
Es un profundo alegato antibélico, donde Anna Fierling ("Madre coraje") -mítica figura del costo de la guerra- termina sola en su desvencijado carromato y constituye una de las nueve piezas teatrales con las que Brecht trató de contrarrestar la ascensión del fascismo y una directa alusión a la invasión de Polonia por Hitler en 1939.
Alegoría del costo de la Segunda Guerra Mundial en Alemania, Madre Coraje canta:
"No dejaré que me hablen mal de la guerra.
Dicen que destruye a los débiles,
pero ésos revientan también en la paz.
Lo único que pasa es que la guerra alimenta mejor a sus hijos".
Maria Corral Santiveri
EL REY LEÓN
El Rey León es un musical basado en la película de 1994 de animación de Disney del mismo nombre con música de Elton John y letra de Tim Rice junto con la banda sonora creada por Hans Zimmer con arreglos corales de Lebo M. Dirigido por Julie Taymor, el musical muestra a los actores en trajes de animales así como gigantes marionetas huecas. El espectáculo es producido por Disney Theatrical.
El espectáculo debutó en el Lyceum Theatre del West End el 19 de octubre de 1999 y aún se está ejecutando. El reparto de la producción del West End fue invitado a actuar en el Royal Variety Performance en el Palladium de Londres el 11 de diciembre de 2008, en presencia de altos miembros de la Familia Real Británica.
La obra esta dividida en dos actos:
ACTO I:
De vuelta en el cementerio de elefantes, Scar les cuenta a las hienas un plan para matar a Mufasa y a Simba para que pueda convertirse en rey. Levanta un ejército de hienas, con la promesa de que nunca tendrá hambre de nuevo si lo apoyan. Scar lleva a Simba a un barranco y le dice que espere allí. A la señal de Scar, las hienas hacen que haya una estampida de ñus en la garganta. Scar le dice a Mufasa que Simba está atrapado en la garganta. Mufasa salta a la estampida y se las arregla para salvar a su hijo, pero en su intento por escapar, Scar asesina a Mufasa arrojándolo al precipicio. Scar convence a Simba que la muerte de su padre fue por su culpa y le dice que huya corriendo, y, acto seguido, ordena a las hienas que le maten. Simba escapa pero las hienas se rinden y dicen que le matarán si volvía al reinado. Rafiki y las leonas lloran la muerte de los dos leones. Scar reclama el trono y permite que las hienas en las Tierras del Reino vivan con las leonas. Rafiki regresa a su árbol y borra las manchas del dibujo de Simba como significado de que el príncipe ha muerto.
Scar llama a Sarabi y exige saber por qué las leonas no están a la caza. Sarabi le responde que no hay nada para cazar y airadamente compara con Mufasa a Scar y éste la golpea. Enfurecido, Simba se revela. Scar le arrincona. Creyendo que ha ganado, Scar se burla de Simba por no admitir que mató a Mufasa. Luego confiesa lo que hizo. Furioso, Simba se recupera y Scar obliga a revelar la verdad a las leonas. Los amigos de Simba empiezan a luchar contra las hienas mientras Simba y Scar luchan en la cima de la Roca del Rey. Scar ruega por su vida, culpando a las hienas para todo. Simba le permite dejar fuera de la misericordia, pero Scar ataca de nuevo. Simba bloquea el ataque y cae desde el acantilado. Las hienas, que oyeron cómo Scar les traicionaba, se lo comen.
La obra esta dividida en dos actos:
ACTO I:
A medida que el sol se levanta, Rafiki el mandril convoca a los animales para que vayan a la Roca del Rey y saluda al rey Mufasa y a la reina Sarabi antes de presentar su cachorro a los animales ("El Ciclo Vital"). Por otra parte, el hermano de Mufasa, Scar, se lamenta ante la oportunidad perdida de convertirse en rey. De vuelta en su árbol, Rafiki pinta una imagen del cachorro y pide a los espíritus para conjurar el nuevo príncipe, Simba.
El tiempo pasa y Simba se convierte en un alegre y joven cachorro. Mufasa le muestra las Tierras del Reino desde la cima de la Roca del Rey y explica que todo lo que existe está en un equilibrio delicado conocido como el Círculo de la Vida. Mufasa advierte a Simba que no traspase los límites de las Tierras del Reino, señalando un área oscura en la distancia. Zazu, un cálao que actúa como asesor de Mufasa, llega y entrega su informe diario en el dominio del rey.
Simba va a ver a su tío Scar. El león despierta la curiosidad del cachorro al mencionar el cementerio de elefantes, donde le está prohibido ir. Simba llega a su casa y le pide a su mejor amiga, un cachorro hembra llamada Nala, para acompañarle al cementerio de elefantes. Les piden permiso a las leonas, y Sarafina (madre de Nala) y Sarabi aceptan con la condición de ir escoltado por Zazu. Simba y Nala idean un plan y logran bajar la guardia de Zazu, mientras que Simba se jacta de su futura posición.
Los cachorros llegan al cementerio y comienzan a explorar. Zazu logra alcanzarles, pero se enfrenta a tres hienas: Shenzi, Banzai y Ed. Las hienas tienen intención de comer a los intrusos y presumen de su hallazgo. Mufasa rescata a los cachorros y ahuyenta a las hienas.
Mufasa está decepcionado y enfadado con la desobediencia imprudente de Simba, y explica la diferencia entre valentía y bravura. Mufasa le habla a Simba de los grandes reyes del pasado y la forma en que ven a través de todo, desde las estrellas. Mufasa dice que él también le estará ahí vigilando. Más tarde se analiza el comportamiento de Simba con Zazu, que recuerda a Mufasa que tenía la misma tendencia a meterse en problemas en la edad de Simba.
De vuelta en el cementerio de elefantes, Scar les cuenta a las hienas un plan para matar a Mufasa y a Simba para que pueda convertirse en rey. Levanta un ejército de hienas, con la promesa de que nunca tendrá hambre de nuevo si lo apoyan. Scar lleva a Simba a un barranco y le dice que espere allí. A la señal de Scar, las hienas hacen que haya una estampida de ñus en la garganta. Scar le dice a Mufasa que Simba está atrapado en la garganta. Mufasa salta a la estampida y se las arregla para salvar a su hijo, pero en su intento por escapar, Scar asesina a Mufasa arrojándolo al precipicio. Scar convence a Simba que la muerte de su padre fue por su culpa y le dice que huya corriendo, y, acto seguido, ordena a las hienas que le maten. Simba escapa pero las hienas se rinden y dicen que le matarán si volvía al reinado. Rafiki y las leonas lloran la muerte de los dos leones. Scar reclama el trono y permite que las hienas en las Tierras del Reino vivan con las leonas. Rafiki regresa a su árbol y borra las manchas del dibujo de Simba como significado de que el príncipe ha muerto.
En el desierto, Simba se derrumba de agotamiento por el calor. Los buitres comienzan a circular, pero se asustan por Timon el suricato y Pumba el jabalí. Simba se siente responsable de la muerte de Mufasa, pero el dúo llevan al cachorro a su casa en la selva y le muestran su manera despreocupada de la vida. Simba crece hasta la edad adulta en la selva.
ACTO II:
El coro, vestido con ropas coloridas con títeres de aves ornamentales y las cometas, comienza la Segunda Ley. Cuando la canción termina, las hermosas aves son reemplazados por los buitres. Bajo el gobierno de Scar, el Círculo de la Vida está fuera de balance y una sequía ha afectado a las Tierras del Reino. Zazu, ahora prisionero de Scar, escucha los problemas del rey: las hienas se quejan de la falta de alimentos y Scar sólo se preocupa por sí mismo y por qué no es amado. Tiene visiones de Mufasa y cambia rápidamente entre la confianza y la desesperación delirante paranoide. Nala llega para hacer frente a la hambruna y Scar decide que va a ser su reina y le dará los cachorros. Nala le reprende ferozmente y decide abandonar las Tierras del Reino para encontrar ayuda.
En la selva, Timón y Pumba quieren dormir, pero Simba, inquieto, es incapaz de dormir. Molesto, Simba les deja, pero Timón y Pumba pierden su valor y le siguen. Simba salta al otro lado de un río de rápido movimiento y desafía a Timón a hacer lo mismo. Timón cae y es arrastrado aguas abajo. Él agarra una rama sobre una cascada y pide ayuda de Simba, pero Simba está paralizado por un flashback de la muerte de Mufasa. Timon se cae de la rama y Simba sale del trance, y rescata a su amigo. Simba se avergüenza de que Timon estuvo a punto de morir a causa de su imprudencia.
Los tres amigos se tumban en el suelo y se ponen a hablar de las estrellas. Simba recuerda las palabras de Mufasa, pero sus amigos se ríen de la idea de los reyes muertos mirándolos. Simba se va, que expresa su soledad y amargura recordando la promesa de que Mufasa esta allí para él. Rafiki oye la canción en el viento. la alegría le llega cuando se da cuenta de que Simba está vivo, y dibuja una melena en su pintura de Simba como símbolo de que ya es rey.
En la selva, Pumba es perseguido por una leona. Simba se enfrenta a ella y salva a su amigo, pero reconoce a la leona, que resulta ser Nala. Ella se sorprende al encontrar a Simba con vida, consciente de que él es el legítimo rey. Timon y Pumba se confunden, pero Simba y Nala les piden que los dejen solos. Timon da cuenta de lo que está sucediendo y lamenta el final del estilo de vida que Simba había tenido hasta entonces. Nala le dice a Simba lo que está pasando en las devastadas Tierras del Reino, pero Simba todavía se siente responsable de la muerte de Mufasa y se niega a volver.
Por su cuenta, Simba conoce a Rafiki, quien explica que su padre sigue vivo. El espíritu de Mufasa aparece en el cielo y le dice a Simba que él es el rey verdadero y debe tomar su lugar en el Círculo de la Vida. Simba encuentra su valor y se dirige a su casa. Mientras tanto, Nala despierta a Timon y Pumba para preguntarles dónde está Simba, y Rafiki aparece para decirles todas las noticias. Los tres van con él en las Tierras del Reino, donde Simba es testigo de la ruina de su casa. Timon y Pumba distraen a las hienas bailando, permitiendo que Simba y Nala lleguen a la Roca del Rey.
Scar llama a Sarabi y exige saber por qué las leonas no están a la caza. Sarabi le responde que no hay nada para cazar y airadamente compara con Mufasa a Scar y éste la golpea. Enfurecido, Simba se revela. Scar le arrincona. Creyendo que ha ganado, Scar se burla de Simba por no admitir que mató a Mufasa. Luego confiesa lo que hizo. Furioso, Simba se recupera y Scar obliga a revelar la verdad a las leonas. Los amigos de Simba empiezan a luchar contra las hienas mientras Simba y Scar luchan en la cima de la Roca del Rey. Scar ruega por su vida, culpando a las hienas para todo. Simba le permite dejar fuera de la misericordia, pero Scar ataca de nuevo. Simba bloquea el ataque y cae desde el acantilado. Las hienas, que oyeron cómo Scar les traicionaba, se lo comen.
Con la batalla ganada, amigos de Simba pasan al frente y reconocen a Simba como el legítimo rey. Simba asciende la Roca del Rey y ruge por todo el reino. Las Tierras del Reino vuelven a llenarse de vida y los animales se reúnen en celebración y, como al principio, Rafiki presenta al recién nacido hijo de Simba y Nala, continuando el ciclo de la vida.
martes, 9 de abril de 2013
ELS JOGLARS
Els Joglars se han mantenido durante más de cincuenta años fieles al espíritu con que se fundó la compañía. Ya al escoger el nombre hicieron una declaración de principios: "Els Joglars" significa, en catalán, "los juglares", y hace referencia al papel que en la edad media ejercían los juglares, o al de los comediógrafos de la Grecia clásica. Para ellos, el teatro tenía una función social y política: la de hacer crítica social mediante la ironía y la fabulación, poniendo el dedo en la llaga de todas aquellas cuestiones incómodas para el poder establecido. Por ello, las obras de Els Joglars han sido tan elogiadas por la crítica teatral, como polémicas en lo político y social.Desde 1966 hasta 1976 formó parte del grupo Jaume Sorribas.
Els Joglars se ha caracterizado siempre por su espíritu crítico frente a la actualidad política, y han incluido en sus obras a políticos de todas las tendencias, desdeFranco hasta Jordi Pujol, pasando por Felipe González o Pasqual Maragall. También han ironizado ácidamente con personajes culturales como Salvador Dalí o Josep Pla, colocándolos como el contrapeso necesario a la política catalanista. Esta actitud ha conllevado al grupo diversos choques con las autoridades. El primero y más grave de ellos sucedió cuando el director de la compañía, Albert Boadella, fue detenido y encarcelado durante ocho días, en diciembre de 1977, por la representación de la obraLa Torna, en el momento en que España transitaba de la dictadura a la democracia. Tras la restauración monárquica, el hecho de que Boadella nunca escondiera sus simpatías por el PSOE supuso a Els Joglars el veto de diversas televisiones públicas: en TV3 bajo el gobierno de Pujol en Cataluña, y en TVE bajo el gobierno de Aznar. Asimismo han sido declarado "non gratos" en diversos municipios.
En el año 2003 Els Joglars estrenó el primer largometraje cinematográfico escrito, dirigido e interpretado por la compañía, y producido por Andrés Vicente Gómez: "Buen viaje excelencia", una ácida y caricaturesca visión de los últimos días del dictadorFranco. La película no fue exhibida por las grandes cadenas de cines españolas.
Hasta 2012 Els Joglars estuvo dirigida por Albert Boadella, y formada por Ramon Fontserè, Jesus Agelet, Pilar Sáenz, Minnie Marx, Jordi Costa, Xavier Boada, Dolors Tuneu, Lluís Elias, Josep Mª Fontserè, Pep Vila, Xavi Sais y el propio Boadella. El 11 de septiembre de 2012 Boadella traspasó la dirección a Ramon Fontseré.
SUS OBRAS TEATRALES SON:
1962:1967 Primera época
1968: El diari
1970: El Joc
1971: Cruel ubris
1972: Mary d'Ous
1974: Àlias Serrallonga
1977: La Torna
1978: M-7 Catalònia
1979: L'Odissea
1980: Laetius
1981: Operació ubú
1981: Olympic man
1983: Teledeum
1984: Gabinete Libermann
1985: Virtuosos de Fontainebleau
1986: Visanteta de Favara
1987: Bye Bye Beethoven
1987: Mester de juglaría. Els Joglars 25 años
1989: Columbi lapsus
1991: Yo tengo un tío en América
1992: Els Joglars 30 años
1993: El Nacional
1995: Ubú presidente
1997: Arròs negre
1997: La increíble historia del Dr. Floit y Mr. Pla
1998: Ara, Pla
1998: El hombre del abrigo
1999: Daaalí
1999: Dalí visto por Dalí
2001: La Trilogía
2002: Breve crónica de la Guerra de los 40 años
2003: Franco en Vic
2004: El retablo de las maravillas. Cinco variaciones sobre un tema de Cervantes.
2004: La Dualidad Quijotesca de Dalí
2005: La torna de la torna
2006: Controversia del toro y el torero
2008: La Cena
2010: 2036 Omena-G
SUS APARICIONES EN TELVISIÓN:
2006: El retablo de las maravillas. TVE
1995: Vaya día!. Serie de 52 capítulos. Canal Plus
1991: Orden especial. Serie de 40 capítulos. TVE
1989: Ya semos europeos. Serie de 7 capítulos. TVE
1988: Som una meravella!. Serie de 6 capítulos. TVE
1982: F.L.F. Docudrama. TVE
1977: Terra d'Escudella. Serie de 6 capítulos. TVE
1976: La Odisea. Serie de 5 capítulos. TVE
1970: Hablamos español. Serie de 39 capítulos. NDR TV (Alemania)
SUS APARICIONES CINEMATOGRÁFICAS SON:
2003: Buen viaje excelencia. Lola Films.
1999: Vida y muertes de Buenaventura Durruti, anarquista
Maria Corral Santiveri
jueves, 4 de abril de 2013
SAMUEL BECKETT
VIDA
(Dublín, 1906-París, 1989) Novelista y dramaturgo irlandés. Estudió en la Portora Royal School, una escuela protestante de clase media en el norte de Irlanda, y luego ingresó en el Trinity College de Dublín, donde obtuvo la licenciatura en lenguas romámicas y posteriormente el doctorado. Trabajó también como profesor en París, donde escribió un ensayo crítico sobre Marcel Proust y conoció a su compatriota James Joyce, del cual fue traductor y a quien pronto le unió una fuerte amistad.
En 1930 regresó a Dublín como lector de francés de la universidad, pero abandonó el trabajo al año siguiente, tras lo cual viajó por Francia, Alemania e Italia, desempeñando todo tipo de trabajos para incrementar los insuficientes ingresos de la pensión anual que le enviaba su padre (cuya muerte, en 1933, supuso para el escritor una dura experiencia), hasta que en 1937 se estableció definitivamente en París.
En 1942, y después de haberse adherido a la Resistencia, tuvo que huir de la Gestapo para afincarse en el sur de Francia, que estaba libre de la ocupación alemana, donde escribió su novela Watt. Finalizada la contienda, se entregó de lleno a la escritura: terminó la trilogía novelística Molloy, Malone muere y El innombrable, y escribió dos piezas de teatro. Aunque utilizaba indistintamente el francés o el inglés como lenguas literarias, a partir de 1945 la mayoría de su producción está escrita en francés, y él mismo vertió sus obras al inglés.
La difícil tarea de encontrar editor no se resolvió hasta 1951, cuando su compañera, Suzanne Deschevaux-Dumesnil, que más tarde se convertiría en su esposa, encontró uno para Molloy. El éxito relativo de esta novela propició la publicación de otras, y en especial dio pie a la representación deEsperando a Godot en el teatro Babylone de París; el resonante éxito de crítica y público que obtuvo la obra le abrió las puertas de la fama.
Su ruptura con las técnicas tradicionales dramáticas y la nueva estética que proponía le acercaban al rumano E. Ionesco, y suscitó la etiqueta de «anti-teatro» o «teatro del absurdo«. Se trata de un teatro estático, sin acción ni trucos escénicos, con decorados desnudos, de carácter simbólico, personajes esquemáticos y diálogos apenas esbozados. Es la apoteosis de la soledad y la insignificancia humanas, sin el menor atisbo de esperanza.
OBRA
La obra de Beckett es fundamentalmente sombría y tendente al minimalismo y, de acuerdo con ciertas interpretaciones, profundamente pesimista(hasta nihilista) acerca de la condición humana. De esta forma, con el tiempo sus libros se hicieron más crípticos y breves. El pesimismo de Beckett viene sin embargo atemperado por un particular sentido del humor, entre negro y sórdido .
Sus diez obras más importantes son :
1.Esperando a Godot
2.Malone muere
3.La última cinta de Krapp
4. El innombrable
5.Final de partida
6.What is the word
7. Molloy
8. Disjecta
9.Los días felices
10.Breath
Maria Corral Santiveri
(Dublín, 1906-París, 1989) Novelista y dramaturgo irlandés. Estudió en la Portora Royal School, una escuela protestante de clase media en el norte de Irlanda, y luego ingresó en el Trinity College de Dublín, donde obtuvo la licenciatura en lenguas romámicas y posteriormente el doctorado. Trabajó también como profesor en París, donde escribió un ensayo crítico sobre Marcel Proust y conoció a su compatriota James Joyce, del cual fue traductor y a quien pronto le unió una fuerte amistad.
En 1942, y después de haberse adherido a la Resistencia, tuvo que huir de la Gestapo para afincarse en el sur de Francia, que estaba libre de la ocupación alemana, donde escribió su novela Watt. Finalizada la contienda, se entregó de lleno a la escritura: terminó la trilogía novelística Molloy, Malone muere y El innombrable, y escribió dos piezas de teatro. Aunque utilizaba indistintamente el francés o el inglés como lenguas literarias, a partir de 1945 la mayoría de su producción está escrita en francés, y él mismo vertió sus obras al inglés.
La difícil tarea de encontrar editor no se resolvió hasta 1951, cuando su compañera, Suzanne Deschevaux-Dumesnil, que más tarde se convertiría en su esposa, encontró uno para Molloy. El éxito relativo de esta novela propició la publicación de otras, y en especial dio pie a la representación deEsperando a Godot en el teatro Babylone de París; el resonante éxito de crítica y público que obtuvo la obra le abrió las puertas de la fama.
Su ruptura con las técnicas tradicionales dramáticas y la nueva estética que proponía le acercaban al rumano E. Ionesco, y suscitó la etiqueta de «anti-teatro» o «teatro del absurdo«. Se trata de un teatro estático, sin acción ni trucos escénicos, con decorados desnudos, de carácter simbólico, personajes esquemáticos y diálogos apenas esbozados. Es la apoteosis de la soledad y la insignificancia humanas, sin el menor atisbo de esperanza.
OBRA
La obra de Beckett es fundamentalmente sombría y tendente al minimalismo y, de acuerdo con ciertas interpretaciones, profundamente pesimista(hasta nihilista) acerca de la condición humana. De esta forma, con el tiempo sus libros se hicieron más crípticos y breves. El pesimismo de Beckett viene sin embargo atemperado por un particular sentido del humor, entre negro y sórdido .
Sus diez obras más importantes son :
1.Esperando a Godot
2.Malone muere
3.La última cinta de Krapp
4. El innombrable
5.Final de partida
6.What is the word
7. Molloy
8. Disjecta
9.Los días felices
10.Breath
Maria Corral Santiveri
miércoles, 3 de abril de 2013
ANTONIO BUERO VALLEJO
VIDA(1916-2000)
Antonio Buero Vallejo nació el 29 de septiembre de 1916 en Guadalajara. Su padre, Francisco, capitán del Ejército y profesor de Cálculo en la Academia Militar de Ingenieros, era natural de Cádiz; su madre, María Cruz, de Taracena (Guadalajara).
La Guerra Civil española, en la que combatió desde el lado republicano, dejó una profunda huella en su vida: al final de la guerra fue encarcelado y más tarde condenado a muerte, aunque en 1946 se le conmutó la pena y quedó en libertad provisional. A lo largo de su vida ha recibido numerosos premios y galardones, entre ellos el Premio Cervantes.
OBRA
Cuando Buero Vallejo estrena Historia de una Escalera en 1949 nace un teatro que, arraigado en la realidad inmediata, va en busca de la verdad y pretende remover la conciencia española. La crítica suele dividir su producción dramática en diversos períodos, a pesar de que Buero ha reivindicado en numerosas ocasiones la unidad radical de su teatro. Según el propio autor, el tema común que liga toda su producción es la tragedia del individuo, analizada desde un punto de vista social, ético y moral.
A) Teatro simbolista
A través de la tara física de la ceguera, Buero simboliza las limitaciones humanas en su drama En la ardiente oscuridad, estrenado en 1950. Esta obra representa el crudo enfrentamiento con una realidad que no puede escamotearse ni disfrazarse. El hombre no es libre porque no puede conocer el misterio que le rodea.
El tema del misterio predomina en otras obras, también de corte simbolista: La tejedora de sueños, recreación del mito de Ulises y Penélope; Irene o el tesoro, análisis del desdoblamiento de la realidad; Casi un cuento de hadas, pieza en la que el amor es un instrumento para transformar el mundo, y La señal que se espera, drama de exaltación de la fe.
B) El criticismo social
En las obras de tipo social se analiza la sociedad española con todas sus injusticias, mentiras y violencias.
Pertenecen a este grupo Historia de una escalera (1949), Hoy es fiesta (1956), Las cartas boca abajo(1957) y El tragaluz (1967).
1. Historia de una escalera plantea la imposibilidad de algunos individuos de mejorar materialmente debido a la situación social y a la falta de voluntad.
2. Hoy es fiesta presenta el tema de la esperanza y el perdón.
3. Las cartas boca abajo plantea la situación de un matrimonio que ha convivido durante veinte años bajo la mentira.
4. El tragaluz revive la trágica historia de una familia en la España franquista.
C) Dramas históricos
Buero toma a veces los “materiales del pasado histórico sin intención ni empeño alguno de recrearlos históricamente, sino como trampolín o espejo y como mina de significaciones cara al presente y como ‘modelos’ en el sentido que la sociología da al vocablo” (Francisco Ruiz Ramón).
Pertenecen a este grupo Un soñador para un pueblo (1958), Las Meninas (1960), El concierto de San Ovidio(1962) y El sueño de la razón (1970). El motín de Esquilache, la España de Felipe IV, el París de 1771 y la dictadura de Fernando VII constituyen, respectivamente, el telón de fondo de estas obras.
1. Un soñador para un pueblo relata el fracaso de un hombre empeñado en mejorar la vida de un pueblo.
2. Las Meninas refleja la ocultación de la verdad, la corrupción moral y la negación de la realidad.
3. El concierto de San Ovidio reconstruye un drama en el que aflora lo grotesco, la injusticia y la falta de ética.
4. El sueño de la razón sitúa al pintor Francisco de Goya en el Madrid de 1823, durante la ola de terror desencadenada por Fernando VII en su lucha contra los liberales.
A todas estas obras cabe añadir La doble historia del doctor Valmy (1968), Caimán (1981), Diálogo secreto(1984) y Lázaro en el laberinto (1986).
Antonio Buero Vallejo nació el 29 de septiembre de 1916 en Guadalajara. Su padre, Francisco, capitán del Ejército y profesor de Cálculo en la Academia Militar de Ingenieros, era natural de Cádiz; su madre, María Cruz, de Taracena (Guadalajara).
La Guerra Civil española, en la que combatió desde el lado republicano, dejó una profunda huella en su vida: al final de la guerra fue encarcelado y más tarde condenado a muerte, aunque en 1946 se le conmutó la pena y quedó en libertad provisional. A lo largo de su vida ha recibido numerosos premios y galardones, entre ellos el Premio Cervantes. OBRA
Cuando Buero Vallejo estrena Historia de una Escalera en 1949 nace un teatro que, arraigado en la realidad inmediata, va en busca de la verdad y pretende remover la conciencia española. La crítica suele dividir su producción dramática en diversos períodos, a pesar de que Buero ha reivindicado en numerosas ocasiones la unidad radical de su teatro. Según el propio autor, el tema común que liga toda su producción es la tragedia del individuo, analizada desde un punto de vista social, ético y moral.
A) Teatro simbolista
A través de la tara física de la ceguera, Buero simboliza las limitaciones humanas en su drama En la ardiente oscuridad, estrenado en 1950. Esta obra representa el crudo enfrentamiento con una realidad que no puede escamotearse ni disfrazarse. El hombre no es libre porque no puede conocer el misterio que le rodea.
El tema del misterio predomina en otras obras, también de corte simbolista: La tejedora de sueños, recreación del mito de Ulises y Penélope; Irene o el tesoro, análisis del desdoblamiento de la realidad; Casi un cuento de hadas, pieza en la que el amor es un instrumento para transformar el mundo, y La señal que se espera, drama de exaltación de la fe.
B) El criticismo social
En las obras de tipo social se analiza la sociedad española con todas sus injusticias, mentiras y violencias.
1. Historia de una escalera plantea la imposibilidad de algunos individuos de mejorar materialmente debido a la situación social y a la falta de voluntad.
2. Hoy es fiesta presenta el tema de la esperanza y el perdón.
3. Las cartas boca abajo plantea la situación de un matrimonio que ha convivido durante veinte años bajo la mentira.
4. El tragaluz revive la trágica historia de una familia en la España franquista.
C) Dramas históricos
Buero toma a veces los “materiales del pasado histórico sin intención ni empeño alguno de recrearlos históricamente, sino como trampolín o espejo y como mina de significaciones cara al presente y como ‘modelos’ en el sentido que la sociología da al vocablo” (Francisco Ruiz Ramón).
Pertenecen a este grupo Un soñador para un pueblo (1958), Las Meninas (1960), El concierto de San Ovidio(1962) y El sueño de la razón (1970). El motín de Esquilache, la España de Felipe IV, el París de 1771 y la dictadura de Fernando VII constituyen, respectivamente, el telón de fondo de estas obras.
1. Un soñador para un pueblo relata el fracaso de un hombre empeñado en mejorar la vida de un pueblo.
2. Las Meninas refleja la ocultación de la verdad, la corrupción moral y la negación de la realidad.
3. El concierto de San Ovidio reconstruye un drama en el que aflora lo grotesco, la injusticia y la falta de ética.
4. El sueño de la razón sitúa al pintor Francisco de Goya en el Madrid de 1823, durante la ola de terror desencadenada por Fernando VII en su lucha contra los liberales.
A todas estas obras cabe añadir La doble historia del doctor Valmy (1968), Caimán (1981), Diálogo secreto(1984) y Lázaro en el laberinto (1986).
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